ARTE MODERNA

Galeria Prochownik

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Sun, 10 Aug 2008 04:42:00 +0000

Rua Visconde de Pirajá 82, ss. 114

Ipanema - RJ

SAPATOS & ARTE

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Mon, 14 Apr 2008 21:00:00 +0000

Únicos na concepção e na execução, os sapatos que saem da fantasia de um designer ou de um artista plástico, são verdadeiras obras de arte, ou melhor, autênticos sonhos que se tornam realidade.

O artista pop americano Andy Warhorl começou a vida profissional como designer de sapatos, e, mais tarde, trouxe essas informações visuais para o seu trabalho artístico.
Essa obra faz parte da série “Diamond Dust Shoes”.

O estilo punk da década de 80 passou de uma afirmação política a fetiche da alta-moda neste sapato de Yves Saint Laurent, de 1985.

Estes sapatos vermelhos são autênticas relíquias do cinema.
Foram usados por Judy Garland, interpretando Dorothy no filme clássico “ O Mágico de Oz ”, de 1939.
Em 1988, um fã secreto pagou 165.000 dólares por eles em um leilão.

Sapatos “Gata Borralheira”, numa interpretação brilhantemente criativa e conceitual de Samuele Mazza, 1992.

Este sapato Peixe de André Perugia, de 1931, em pelica, com “olhos, escamas e rabo”, é uma homenagem ao pintor cubista francês Georges Braque.

“ Moda Botânica ”, de 1996, realizado com alho-poró, é o resultado efêmero dessa criação do fotógrafo dinamarquês de naturezas mortas Stine Heilmann.

“Shoes for the Little Woman” ou “Sapatos de mulherzinhas” que são uma crítica bem-humorada da feminista Gaza Bowen, em 1986, ao tradicional papel feminino.
Foram confeccionados com esponjas de louça e esfregões.

“Put on your red shoes and dance the blues.”

David Bowie

Os psicólogos têm explorado até à exaustão todos os significados dos sapatos, considerando-os desde símbolos fálicos até recipientes secretos.
Há quem diga que alguém que coleciona sapatos é um viajante imaginário.
Os sapatos são um impulso de mudança, uma forma de deixar o passado para trás e de seguir rumo ao futuro.

Retorno à Arte Moderna

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Mon, 03 Mar 2008 21:33:00 +0000

Quem é vivo sempre aparece !

Depois de um ano fora do ar, estou muito feliz em retornar a esse espaço e voltar a fazer o blog Arte Moderna.

Tive a alegria de encontrar aqui muitos comentários estimulantes e aos poucos vou retribuir a gentileza das suas visitas.

Para esse retorno, conto com a ajuda de um co-piloto, o meu filho Jôka, que vocês conhecem há bastante tempo.

As lindas e super coloridas obras desse post são pinturas em tinta acrílica sobre tela da espetacular artista plástica húngara Yuli Geszti, que muito me honra em fazer parte do “time” da nossa Galeria Prochownik.

Espero que gostem e que possamos retomar os nossos contatos.
Um grande abraço, obrigado pelas visitas, mensagens

e tudo de bom para vocês !
Jonas Prochownik

Nascida na Hungria, Yuli Geszti mora e trabalha no Rio de Janeiro.

Essa talentosa artista expõe em seus trabalhos minuciosas figuras geometricas que dão a ilusão de volume, com enfase nos contrastes impactantes de cores, luzes e sombras.

Queima de arquivo

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Fri, 02 Feb 2007 21:29:00 +0000

Todos os arquivos de imagens que juntei em varias pastas fazendo demoradas pesquisas, foram arbitráriamente deletados por minha secretária, que acreditava com isso estar liberando um bom espaço no HD de meu computador velho, lento e antiquado.

É como se eu tivesse uma estante cheia de livros de arte, e para liberar espaço, jogasse todos os livros no lixo.

Na verdade ela apagou arquivos valiosos e indispensáveis mas com isso liberou apenas um pequeno espaço insignificante.

Portanto esse blog está suspenso. Lamento muito, mas enquanto não conseguir recuperar os meus arquivos deletados por essa obtusa não tenho como prosseguir o Arte Moderna.

A vida secreta da Mona Lisa

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Mon, 22 Jan 2007 14:12:00 +0000

VOLPI

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Wed, 10 Jan 2007 17:31:00 +0000

Volpi nasceu em Lucca, na Itália, em 1896.
Mesmo tendo nascido na Itália, de onde foi trazido com menos de dois anos, Volpi é um dos mais importantes artistas brasileiros deste século.

Foi um pintor que inventou sozinho sua própria linguagem.
Isso é muito raro na arte produzida em países do terceiro mundo, cuja cultura sempre deve algo a modelos internacionais.

Filho de imigrantes, chegou ao Brasil com pouco mais de um ano de idade.

Foi decorador de paredes. Aos 16 anos pintava frisos, florões e painéis.

Sempre valorizou o trabalho artesanal, construindo suas próprias telas, pincéis. As tintas eram feitas com pigmentos naturais, usando a técnica de têmpera.

Foi um auto didata.
Sua evolução foi natural, tendo chegado à abstração por caminhos próprios, trabalhando e dedicando-se a essa descoberta.

Nunca acreditou em inspiração.

Na década de 40, abandonou a perspectiva tradicional, simplificou e geometrizou as formas. Mais tarde, chegou à abstração.
Seus gestos ficaram mais livres, dinâmicos e expressivos. A cor, mais vibrante.

Nos anos 50, as bandeirinhas das festas juninas, de Mogi das Cruzes, integraram-se às suas fachadas.
A partir da década de 60, todos os temas são deixados de lado e as bandeirinhas passaram a ser signos, formas geométricas compondo ritmos coloridos e iluminados.

Morreu aos 92 anos, em 1988, em São Paulo.

Volpi nunca se naturalizou, mas seu coração era brasileiro.

Feliz 2007

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Sat, 30 Dec 2006 13:31:00 +0000

Imagine que todos os seus sonhos se realizaram.

Que tudo que você sempre quis, conquistou.

Imaginou? Tudo de bom !

É isso que o Arte Moderna deseja a você em 2007.

Feliz 2007

para todos os nossos amigos !

Presépios

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Fri, 15 Dec 2006 19:15:00 +0000

Fra Angelico

O presépio é uma das mais antigas formas de representação do Natal.
A palavra presépio significa “um lugar onde se recolhe o gado; curral, estábulo”.
Mas este também é o nome dado à representação artística do nascimento do Menino Jesus num estábulo.

Há muito tempo, em Groccio, na Itália, São Francisco de Assis estava com um problema. Ele não conseguia explicar para os camponeses como havia sido a noite do nascimento de Jesus. Foi aí que ele teve uma idéia genial: pegou um pouco de argila, e com muita paciência moldou vários bonequinhos de barro.
Primeiro, fez um bebê. Em seguida, o pai e a mãe.
Depois, foi só arrumar tudo e pronto.

São Francisco havia montado, no ano de 1223, o primeiro presépio do mundo!

Nativité - Paul Gauguin

Os cristãos já celebravam a memória do nascimento de Jesus desde finais do séc. III, mas a tradição do presépio, na sua forma atual, tem as suas origens no século XVI.

As primeiras imagens do que hoje conhecemos como presépio de natal foram criadas em mosaicos no interior de igrejas e templos no século VI.

Lotto Lorenzo

Expedito do Piauí

Vamos entrar em rápidas férias de final de ano, mas desejamos muitas alegrias e um feliz 2007 para todos os amigos que nos dão tanta satisfação de vir ao Arte Moderna nos visitar. Muito obrigado !

Até breve e tudo de bom para vocês e suas famílias !

Oswaldo Goeldi

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Fri, 01 Dec 2006 21:13:00 +0000

Oswaldo Goeldi nasceu no Rio de Janeiro em outubro de 1895.
Morou em Belém do Pará, às margens do Amazonas, até os seis anos de idade.

No entanto os peixes habitaram-no para sempre.

Em 1901, despede-se temporariamente dos trópicos e parte a família para Berna, antiga capital da Suiça, terra de seu pai, o naturalista Emílio Goeldi.

Sob a escura atmosfera da I Grande Guerra, inicia seu percurso de vida inteira, a começar pela morte, tema recorrente em toda sua produção.

O artista segue colecionando seus segredos, para revelá-los pouco a pouco - peixes, cidades e urubus, abandono e solidão.

Em 1919 retorna à sua cidade natal, mas será sempre estrangeiro observador.

Em entrevista a Ferreira Gullar, em 1957, Goeldi fala:

“ O que me interessava eram os aspectos estranhos do Rio suburbano, com postes de luz enterrados até a metade na areia, urubu na rua, móveis na calçada, enfim, coisas que deixariam besta, qualquer europeu recém chegado. Depois descobri os pescadores, e toda madrugada ia para o mercado ver o desembarque do peixe e desenhava sem parar.”

O tema urbano, tão caro aos artistas modernos, em Goeldi, conta a história, não apenas do Rio de Janeiro, mas de qualquer cidade industrializada.

Esse grande artista fala em sua obra sobre a experiência de habitar lugares que não acolhem, sobre a solidão, a incomunicabilidade, o desajuste e o esquecimento.

A obra de Goeldi já participou de mais de uma centena de exposições póstumas - no Brasil, Argentina, França, Portugal, Suíça e Espanha.

Pancetti - Navegar é preciso

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Wed, 15 Nov 2006 20:12:00 +0000

“A pintura de Pancetti é como um convés de navio, curtida de sol e sal. Não enferruja.
Honesta, limpa, econômica, direta, austera, quase seca, mesmo quando a cor se expande e o gesto abriga a emoção.
Não há nele nem o supérfluo, nem o desperdício.”

Frederico Morais

Janela do atelier- Bahia - 1951

Giuseppe Gianinni Pancetti nasceu em Campinas, em 1902.
A família era muito pobre. Seu pai, Giovanni, era um imigrante italiano, que viera para o Brasil com a mulher, Corinna, para trabalhar como pedreiro.

Lagoa do Abaeté - 1952

Inconformismo, foi a marca registrada de José Pancetti.

Por força das circunstâncias e do próprio temperamento, não teve parada.
Mudou-se, constantemente de um lugar a outro, experimentou diversos empregos, sem fixar-se em qualquer deles, a não ser na Marinha Mercante Italiana, onde ingressou aos 16 anos.

Tinha um enorme orgulho de ser marinheiro, e seu amor pela marinha era retribuído.

Cabo Frio - 1947

Pancetti quase não desenhava, fazia apenas alguns esboços a carvão antes de começar seus quadros.

Mangaratiba - 1946

Nos seus muitos auto-retratos, Pancetti conta sua vida vendo-se em diferentes personalidades: marinheiro, almirante, pintor, campones, pescador.

Dramáticos ou irônicos, eles têm em comum o seu olhar de lado, desconfiado.

Mar Grande - 1954

As marinhas são a face mais conhecida da obra de Pancetti.

Sempre o mar, o mar brasileiro, azul e profundo – de um marinheiro só.

Saquarema - 1955

Nas praias, figuras isoladas, de costas para o espectador, contemplam o mar.

Contemplam a si proprias.

Tela de minha coleção particular

Morreu em 1958, aos 56 anos, de tuberculose, no Hospital da Marinha, no Rio de Janeiro, onde foi visitado pelo Presidente JK.

A vida de Pancetti, amarga e solitária, pode ter sido atormentada e sombria, mas o seu legado não poderia ser mais luminoso e radiante.

...

Os diamantes são eternos

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Wed, 01 Nov 2006 09:17:00 +0000

Antigamente os gregos acreditavam que os diamantes eram estilhaços de estrelas que caiam do céu.

Chegavam a dizer que eram lágrimas dos deuses.

Da palavra grega "adamas" que significa força e eternidade do amor surgiu a denominação diamante.

Foi na Índia, entre os anos 800 e 600 AC que a exploração de diamantes teve o seu início.

Antigamente os diamantes eram chamados de pedras do sol, devido ao seu incomparável brilho.

O Oriente foi o responsável, durante quase dois mil anos, pela produção dos mais conhecidos diamantes do mundo.

Esta exuberante pedra, de rara beleza, sempre foi sinônimo de poder e riqueza.

Os diamantes eram utilizados, quase que exclusivamente, por reis e suas côrtes.
Além da realeza, só a Igreja tinha acesso aos diamantes.

Os diamantes podem ser comparados com as impressões digitais devido às suas características únicas.

Não existem dois iguais.

Não foi por acaso que Marilyn Monroe afirmava que “os diamantes são os melhores amigos de uma garota.”

Ela tinha toda razão, são mesmo.

São os melhores e mais valiosos amigos, pelo menos de uma garota linda, sexy, ambiciosa e esperta como ela.

10.000 visitas !

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Sat, 21 Oct 2006 03:55:00 +0000

Amigos, quando começei esse blog, atingir 10.000 visitas era algo inimaginável para mim.

No entanto, com a presença de vocês, estou muito feliz comemorando esse marco.

Hoje fiz um post diferente, bem descontraído.

Selecionei obras de arte muito famosas mundialmente, mas vocês vão observar que todas tiveram interferências, portanto têm sempre alguma alteração.

Descubram, portanto, quais foram. Espero que gostem !

Agradeço o grande carinho e todo o estímulo que deixam em seus comentários, sempre muitíssimo bem-vindos !

Um grande abraço do amigo

Jonas Prochownik

Botticcelli - Nascimento de Venus

Leonardo Da Vinci - Mona Lisa

Rembrandt - A Virgem e Jesus

Vincent Van Gogh - Auto Retrato

Vincent Van Gogh - O Quarto

Edvard Munch - O Grito

Gaudí

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Tue, 10 Oct 2006 19:11:00 +0000

Antoni Gaudí era um arquiteto catalão, um dos símbolos da cidade de Barcelona, onde se educou e passou grande parte da vida.

Foi um arquiteto de novas concepções plásticas ligado ao modernismo catalão (a variante local da art nouveau).

O símbolo religioso de Barcelona é a igreja da Sagrada Família, um projeto que ocupou Gaudí durante toda a sua carreira.
Contratado para construir a igreja desde 1883, não viveu para a ver terminada.

Ao trabalhar nela tornou-se cada vez mais religioso, e após 1910 passou a trabalhar quase exclusivamente na construção da Igreja.

Antoni Plàcid Guillem Gaudí Cornet nasceu em 25 de junho de 1852, na província de Tarragona.
Desde pequeno Gaudí teve problemas reumáticos que o acompanharam durante toda a vida e na infância o impediam de brincar com as outras crianças.

Sua obra se caracterizou pela liberdade de forma, cor e texturas voluptuosas e na unidade orgânica.

Gaudí trabalhou quase sempre em Barcelona ou nos seus arredores.

Em 1910 (aos 58 anos), Gaudí alcançou o auge de sua fama, chamando a atenção de alguns norte-americanos que o encarregaram do projeto de um hotel em Nova York.
No mesmo ano foi realizada uma exposição no Grand Palais de Paris.

O arquiteto espanhol morreu aos 74 anos vítima de um atropelamento.

Taxistas que passavam no local se recusaram a levá-lo a um hospital porque pensavam se tratar de um mendigo.
Nos últimos anos de sua vida, Gaudí não cuidava de sua aparência e evitava o contato com os jornalistas, motivo pelo qual há poucas fotos do arquiteto.

Seu corpo está enterrado na cripta da igreja da Sagrada Família.

Os ovos de Fabergé

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Sun, 01 Oct 2006 20:21:00 +0000

Fabergé era a mais importante joalheria existente na Rússia ao final do século XIX e início do século XX.
Era a essa joalheria, que levava o nome do seu dono e principal artista, que os czares russos encomendavam a confecção de ovos de páscoa para serem presenteados por ocasião da festa.
Eram jóias muito sofisticadas e de enorme valor, feitas em ouro, diamantes e pedras preciosas, aludindo aos tradicionais ovos de páscoa.

A tradição dos ovos de Fabergé começou em 1885, quando Aleksander III, imperador da Rússia, procurou o mais famoso joalheiro da corte, Peter Carl Fabergé, e encomendou um ovo de páscoa para dar de presente a imperatriz Marie Feodorovna.

No ano seguinte fez a mesma coisa e assim continuou fazendo até sua morte.

São peças valiosíssimas e feitas com grande capricho, procurando superar-se a cada ano.

Cada jóia levava o ano inteiro sendo preparada, desde o desenho original, o corte, a lapidação das pedras e todos os detalhes, envolvendo diversos artistas, sempre com a supervisão e aprovação final de Fabergé.

O último dos ovos foi feito em 1917, data da revolução russa.

Não se conhece o paradeiro de todos os ovos de Fabergé e possivelmente alguns ainda poderão ser descobertos, escondidos por algum familiar da antiga corte imperial ou de revolucionários do novo regime russo.

Atualmente são jóias raríssimas, que atingem mais de US$ 5.000.000,00 quando eventualmente vão a algum leilão de arte.

LAUTREC

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Mon, 18 Sep 2006 20:50:00 +0000

Henri de Toulouse-Lautrec era um aristocrata, um boêmio alcoólatra e um grande artista.

Afligido por tristes deficiências físicas, ele descobriu um ambiente que o distraía e divertia e tornou-se o mais vívido cronista desse meio.

Le Moulin Rouge

Lautrec nasceu em 24 de novembro de 1864, em Albi, no sudoeste da França.
Sua família era tradicional, distinta e rica.

Diferentemente de muitos outros grandes artistas, Lautrec nunca teve sérias preocupações com dinheiro, exceto quando seu comportamento imprevisível provocava ameaças de cortar sua generosa mesada.

Além de ser pintor, ele era um grande artista popular, tendo sido um pioneiro do ousado e chamativo novo meio, o pôster.

Trabalhador prodigioso, dedicou-se simultaneamente a um estilo de vida autodestrutivo, que o matou com a idade de 36 anos.

O lado mais amargo das noites parisienses o atraiu, e ele até mudou-se para as maisons closes (bordéis) por longos períodos, retratando seus moradores de um modo desencantado e pé-no-chão que é tudo, menos pornográfico.

A maior atração de Montmartre era o Moulin Rouge, onde as dançarinas como La Goulue realizavam performances frenéticas da "quadrilee", mais tarde renomeada cancã.

Foi para o Moulin Rouge que Lautrec fez seu primeiro (e ainda o mais famoso) pôster, usando o relativamente novo processo da litografia.

Esse artista extraordinário pouco a pouco se destruiu.

Já em 1897, a sífilis e o alcoolismo afetavam seu comportamento.

Após um ataque final, ele foi levado para a casa de sua mãe, onde morreu em 9 de setembro de 1901.

Os prazeres, o brilho e os vícios da vida noturna parisiense, seus artistas célebres e as esquecidas mulheres da vida vivem para sempre na obra extraordinária de Lautrec.

A Última Ceia

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Wed, 06 Sep 2006 03:05:00 +0000

A Última Ceia

1495-1497 – Técnica: Mista com predominância da têmpera e óleo sobre duas camadas de preparação de gesso aplicadas sobre reboco - Dimensão: 460 x 880cm

A Última Ceia (no italiano, Il Cenacolo ou L'Ultima Cena) é uma pintura de Leonardo da Vinci para seu protetor, o Duque Lodovico Sforza.

Foi pintado numa das paredes do refeitório do convento de Santa Maria delle Grazie, em Milão, entre os anos 1495 e 1498.

Depois de 22 anos de criteriosa restauração, uma das mais importantes obras da pintura universal - a Última Ceia, de Leonardo da Vinci - foi entregue ao público.

É uma das obras de arte mais reproduzidas em diferentes versões por outros artistas, algumas das quais apresento aqui.

Jacopo Bassano-1542

Representa a cena da última ceia de Jesus com os apóstolos antes de ser preso e crucificado como descreve a Bíblia.

Pintura bizantina

Salvador Dali

Top Models

Playmobbil

É um dos maiores bens conhecido e estimado do mundo.

Ao contrário de muitas outras valiosas pinturas, nunca foi possuída particularmente, porque não pode ser removida do seu local de origem.

Ismael Nery

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Wed, 23 Aug 2006 03:02:00 +0000

“Pertenço a esta espécie de homens que não constroem nem destroem, mas que dão a razão de toda a construção e de toda destruição.”

Ismael Nery

Ismael Nery nasceu em Belém do Pará em 1900.
Renegando a qualificação de pintor, preferia a de filósofo.

Sempre que pôde, dedicou-se à poesia, achando-a melhor que a pintura.

Fazia desenhos em quantidade espantosa, mas jogava seus trabalhos sistematicamente no lixo, assim que terminados.

Conhecemos, dos desenhos de Nery, apenas aqueles que foram salvos da lixeira, muitos deles amarrotados.

Em 1920, viajou para a França, voltando dois anos depois, para casar-se com Adalgisa Nery, com quem teve dois filhos.

Em 1927, voltou à Europa, conhecendo o pintor judeu-russo Marc Chagall, que exerceu forte influência em sua carreira, a qual, a partir de então, voltou-se para o Surrealismo.

Em 1933, um diagnóstico revelou que ele era portador de tuberculose, o que o levou a internar-se em um sanatório.

Meses depois, 6 em abril de 1934, faleceu e foi enterrado vestindo um hábito dos franciscanos, numa homenagem dos frades à sua ardorosa fé católica.

A obra de Nery permaneceu ignorada do público e da crítica até 1965, quando teve seu nome inscrito na 8ª Bienal de São Paulo.

Em toda vida, não pintou mais que uma centena de quadros, realizou duas exposições individuais.

E nelas conseguiu vender apenas um quadro.

Largo do Boticário

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Sun, 23 Jul 2006 23:07:00 +0000

Apenas sete casas compõem esse belo recanto do Rio de Janeiro.
São casas coloridas, em estilo neo-colonial, no local batizado em homenagem a Joaquim Luiz da Silva Souto, o boticário da família real que morou ali, em uma fazenda.

O Largo fica na Rua Cosme Velho, 822.

Este pequeno largo, quase escondido no bairro do Cosme Velho e cercado pela mata atlântica é um dos lugares mais bonitos do Rio.

Há anos atrás, eu ia muito lá com a minha família para passear e visitar o artista plástico Augusto Rodrigues.

O Largo do Boticário tem telhados e fachadas coloniais, calçamento estilo pé-de-moleque e árvores centenárias que transmitem uma sensação de calma e tranqüilidade.

Lá sempre foi um reduto de grandes artistas.

Tela a óleo de Sandra Nunes

Recentente, dezenove famílias, apoiadas pelo Movimento Terra, Trabalho e Liberdade (MTL), invadiram o casarão de número 22, do Largo do Boticário, um dos mais bonitos desse lugar histórico e até esse momento, ainda permanecem no local.

Óleo de Sandra Nunes

A mansão invadida pelos sem teto, tem projeto arquitetônico de Lucio Costa, jardim de Burle Marx e como quintal, parte da Floresta da Tijuca.

Na parte externa da mansão, há diversas espécies raras da Mata Atlântica e uma fonte d´água do século 19.

Ainda nessa semana, um grupo de turistas europeus admiravam as belas construções, sem saber da confusão lamentável por trás do portão do casarão.

Surrealismo

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Mon, 17 Jul 2006 21:03:00 +0000

Salvador Dali

O Surrealismo foi um movimento criado em Paris em 1924 por um grupo de artistas, filósofos e escritores.
Esse movimento artístico se opunha aos costumes da sociedade européia, mas procurava uma nova realidade, tentando explorar o inconsciente e subconsciente.
Seus temas eram a loucura, a solidão, os sonhos, as alucinações, o amor e o humor.

René Magritte

A pintura surrealista dividiu-se em duas escolas principais; de uma delas faziam parte o espanhol Salvador Dali e o belga René Magritte.

René Magritte

Estes artistas tentaram produzir novas sensações pela colocação de imagens fantásticas e irreais em seus quadros.

Como resultado obtinham pinturas misteriosas que pareciam não ter explicação lógica.

René Magritte

A outra escola surrealista adotou um método de pintura chamado automatismo: os artistas deixavam seus pincéis se movimentarem sobre a superfície da pintura, criando imagens e símbolos que revelavam seus subconscientes.

Joan Miró

Joan Miró, espanhol, mostrou a simplicidade de sua arte, sem que o seu contudo deixasse de lado imagens fantásticas e imaginosas.

Ismael Nery

Ismael Nery, importante pintor que só foi valorizado depois de sua morte, foi o precursor do Surrealismo no Brasil.

Esse foi sem dúvida um dos nossos maiores artistas, portanto vou voltar a falar dele em um próximo post.

(Re) Aberto

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Wed, 12 Jul 2006 21:39:00 +0000

Estamos reabrindo esse nosso espaço, e felizmente muito antes do que eu imaginava.

Algumas vezes, as coisas são imprevisíveis e fogem de nosso controle.

Nunca se sabe o que vai acontecer daqui a cinco minutos.

Portanto, nesses últimos dias não pude elaborar novos posts, mas assim que foi possível, vim matar as saudades daqui e de vocês.

Logo estarei postando muitas novidades e visitando todos os blogs amigos, como gosto tanto de fazer.

Não posso deixar de agradecer a todos, que estiveram sempre comigo, deixando os seus comentários, o seu carinho e me dando a maior força !

Espero sinceramente que continuem por aqui me visitando, para passearmos juntos, por muito tempo, pelo mundo das artes.

Fechado

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Fri, 07 Jul 2006 03:11:00 +0000

Por razões particulares, esse blog está temporáriamente fechado.

Obrigado a todos por suas visitas.

Arte Popular

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Sun, 02 Jul 2006 17:47:00 +0000

José Antonio da Silva - "O Rapto da Noiva"

Todo artista popular é auto-didata, ou seja, não aprendeu a arte em nenhuma escola.

Heitos dos Prazeres - "A casa do Seu Benedito"

Quais são os limites que separam a arte e o artesanato ?

Será que existe uma resposta ?

Escultura de Maurino

Ex-votos - Esculturas feitas por artistas anônimos para serem colocadas em altares de igrejas como agradecimento por promessas bem-sucedidas e cumpridas.

G.T.O. - Geraldo Teles Oliveira

É comum afirmar que “o artista cria e o artesão repete”.

Assim, o artesão trabalha no terreno do concreto, da matéria, da certeza.
O artista age no espaço da abstração, do espírito, da dúvida.

Na verdade, o limite entre eles é muito tênue.

Isabel Mendes

Noivos do Vale do Jequitinhonha - MG

Escultura de Mestre Vitalino

No caso da arte popular, o artesanato é a base fundamental para a construção da arte.
Mas nem todo artesão é um artista. Tudo é uma questão de talento e de brilho próprio.
No entanto, todo artista popular é, antes de tudo, um artesão.
Essa é a minha opinião. O que você acha ?

Você tem algum objeto de arte popular na sua casa ?

Erté

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Fri, 23 Jun 2006 20:36:00 +0000

Romain de Tirtoff, que ficaria conhecido como Erté, nome que reproduz o som das iniciais R e T, nasceu em São Peterburgo, na Rússia, em 23 de novembro 1892 e foi para a França em 1911.
Em Paris, logo passou a trabalhar com um dos mais importantes criadores da moda de todos os tempos, Paul Poiret.

Criou cenarios para diversos espetáculos teatrais, Ilustrou também capas para a revista Harper’s Bazaar, além de criar cenários para o Folies Bergère de Paris e para o Ziegfeld Follies, de Nova York.

Durante uma visita a Hollywood, em 1925, Erté trabalhou como figurinista para diversos filmes, e também criou roupas para a atriz Josephine Baker.

Erté gostava de utilizar peles compridas, jóias e um grande número de acessórios, que compunham figurinos com detalhes inteiramente personalizados.

Em cada trabalho que executava, Erté trazia a inspiração de temas persas e indianos do século 16, com traços muito pessoais, elaborados, e a figura feminina concebida sempre de maneira sensual.

J. Carlos, o cronista do lápis

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Mon, 12 Jun 2006 20:46:00 +0000

José Carlos de Brito e Cunha, o J. Carlos, nascido em Botafogo, Rio de Janeiro, em 18 de junho de 1884, ocupa um lugar de destaque no humor gráfico nacional.

Cartunista e ilustrador, J. Carlos soube retratar a vida carioca como ninguém.

Retratou o Carnaval, as praias, a moda, os modismos e os costumes, num verdadeiro retrato da época.
Fez capas e personagens para a importante revista infantil O Tico Tico, como Lamparina, Juquinha e outros.

Embora não fosse estilista, J. Carlos recriava figurinos da moda em voga com tanta graça, a ponto de vê-los seguidos pelas elegantes senhoras do Rio.

O talento de J. Carlos encantava a todos com a sua obra.

O próprio Walt Disney, criador do famoso Mickey Mouse, em uma visita ao Brasil, chegou a convidá-lo para trabalhar em seus estúdios nos Estados Unidos, tal a sua admiração pelo talentoso artista.

O nome de J. Carlos figura de forma permanente e com merecido destaque no cenário da caricatura brasileira.

O cronista do lápis, que contou a história e imortalizou os tipos de sua cidade, foi assim lembrado por Genolino Amado:

“Realmente, no espírito de J. Carlos parece ter habitado o espírito do Rio. E não poderíamos imaginar tendo nascido noutra cidade. Aquele que pretendia somente graça acabou fazendo história”.

CHAPLIN

noreply@blogger.com (Jonas Prochownik) — Tue, 06 Jun 2006 22:06:00 +0000

Muito raramente a palavra "gênio" pode ser empregada com tanta propriedade quanto ao nos referirmos a Charles Chaplin.
Chaplin nasceu em Londres no ano de 1889.

Nasceu com o cinema, e foi justamente para o cinema que Chaplin criou o personagem Carlitos, um vagabundo oprimido e engraçado, que denunciava as injustiças sociais em um mundo repleto de desigualdades.

De forma inteligente, este grande artista sabia como fazer rir e também chorar.

Adepto ao cinema mudo, o ator e também cineasta, era contra o surgimento do cinema sonoro, mas como grande artista que era, logo se adaptou e voltou a produzir verdadeiras obras primas: O Grande Ditador, Tempos Modernos e Luzes da Ribalta.

Na década de 30 seus filmes foram proibidos na Alemanha nazista, pois foram considerados subversivos e contrários a moral e aos bons costumes.
Na verdade, representavam uma crítica ao sistema capitalista, à repressão, à ditadura e ao sistema autoritário que vigorava na Alemanha no período.

Em 1965, publicou sua autobiografia , Minha Vida.

Acumulou muito dinheiro em sua vida de fama.
Fortuna vai, fortuna vem, como muitos outros artistas, Chaplin nunca soube administrar seus bens e por três vezes esteve à beira da falência, mas sempre deu a volta por cima.

A Rainha Elizabeth II tornou-o Sir em 1975.
Sir Charles Chaplin morreu dormindo, em sua casa em Corsier-vur-Vevey, na Suíça.

Morreu feliz, numa manhã de Natal, aos 88 anos, ao lado da família e de sua última esposa, a qual conviveu por mais anos e mais amou.

Uma imagem vale mais do que mil palavras.

Se você quer dar crédito a quem merece e a quem criou essa idéia... agradeça a Chaplin.