ARTE MODERNA

Galeria Prochownik

2008-08-10T01:42:00.009-03:00

Rua Visconde de Pirajá 82, ss. 114

Ipanema - RJ

SAPATOS & ARTE

2008-04-14T18:00:00.009-03:00

Únicos na concepção e na execução, os sapatos que saem da fantasia de um designer ou de um artista plástico, são verdadeiras obras de arte, ou melhor, autênticos sonhos que se tornam realidade.

O artista pop americano Andy Warhorl começou a vida profissional como designer de sapatos, e, mais tarde, trouxe essas informações visuais para o seu trabalho artístico.
Essa obra faz parte da série “Diamond Dust Shoes”.

O estilo punk da década de 80 passou de uma afirmação política a fetiche da alta-moda neste sapato de Yves Saint Laurent, de 1985.

Estes sapatos vermelhos são autênticas relíquias do cinema.
Foram usados por Judy Garland, interpretando Dorothy no filme clássico “ O Mágico de Oz ”, de 1939.
Em 1988, um fã secreto pagou 165.000 dólares por eles em um leilão.

Sapatos “Gata Borralheira”, numa interpretação brilhantemente criativa e conceitual de Samuele Mazza, 1992.

Este sapato Peixe de André Perugia, de 1931, em pelica, com “olhos, escamas e rabo”, é uma homenagem ao pintor cubista francês Georges Braque.

“ Moda Botânica ”, de 1996, realizado com alho-poró, é o resultado efêmero dessa criação do fotógrafo dinamarquês de naturezas mortas Stine Heilmann.

“Shoes for the Little Woman” ou “Sapatos de mulherzinhas” que são uma crítica bem-humorada da feminista Gaza Bowen, em 1986, ao tradicional papel feminino.
Foram confeccionados com esponjas de louça e esfregões.

“Put on your red shoes and dance the blues.”

David Bowie

Os psicólogos têm explorado até à exaustão todos os significados dos sapatos, considerando-os desde símbolos fálicos até recipientes secretos.
Há quem diga que alguém que coleciona sapatos é um viajante imaginário.
Os sapatos são um impulso de mudança, uma forma de deixar o passado para trás e de seguir rumo ao futuro.

Retorno à Arte Moderna

2008-03-03T18:33:00.011-03:00

Quem é vivo sempre aparece !

Depois de um ano fora do ar, estou muito feliz em retornar a esse espaço e voltar a fazer o blog Arte Moderna.

Tive a alegria de encontrar aqui muitos comentários estimulantes e aos poucos vou retribuir a gentileza das suas visitas.

Para esse retorno, conto com a ajuda de um co-piloto, o meu filho Jôka, que vocês conhecem há bastante tempo.

As lindas e super coloridas obras desse post são pinturas em tinta acrílica sobre tela da espetacular artista plástica húngara Yuli Geszti, que muito me honra em fazer parte do “time” da nossa Galeria Prochownik.

Espero que gostem e que possamos retomar os nossos contatos.
Um grande abraço, obrigado pelas visitas, mensagens

e tudo de bom para vocês !
Jonas Prochownik

Nascida na Hungria, Yuli Geszti mora e trabalha no Rio de Janeiro.

Essa talentosa artista expõe em seus trabalhos minuciosas figuras geometricas que dão a ilusão de volume, com enfase nos contrastes impactantes de cores, luzes e sombras.

Queima de arquivo

2007-02-02T19:29:00.000-02:00

Todos os arquivos de imagens que juntei em varias pastas fazendo demoradas pesquisas, foram arbitráriamente deletados por minha secretária, que acreditava com isso estar liberando um bom espaço no HD de meu computador velho, lento e antiquado.

É como se eu tivesse uma estante cheia de livros de arte, e para liberar espaço, jogasse todos os livros no lixo.

Na verdade ela apagou arquivos valiosos e indispensáveis mas com isso liberou apenas um pequeno espaço insignificante.

Portanto esse blog está suspenso. Lamento muito, mas enquanto não conseguir recuperar os meus arquivos deletados por essa obtusa não tenho como prosseguir o Arte Moderna.

A vida secreta da Mona Lisa

2007-01-22T12:12:00.000-02:00

VOLPI

2007-01-10T15:31:00.000-02:00

Volpi nasceu em Lucca, na Itália, em 1896.
Mesmo tendo nascido na Itália, de onde foi trazido com menos de dois anos, Volpi é um dos mais importantes artistas brasileiros deste século.

Foi um pintor que inventou sozinho sua própria linguagem.
Isso é muito raro na arte produzida em países do terceiro mundo, cuja cultura sempre deve algo a modelos internacionais.

Filho de imigrantes, chegou ao Brasil com pouco mais de um ano de idade.

Foi decorador de paredes. Aos 16 anos pintava frisos, florões e painéis.

Sempre valorizou o trabalho artesanal, construindo suas próprias telas, pincéis. As tintas eram feitas com pigmentos naturais, usando a técnica de têmpera.

Foi um auto didata.
Sua evolução foi natural, tendo chegado à abstração por caminhos próprios, trabalhando e dedicando-se a essa descoberta.

Nunca acreditou em inspiração.

Na década de 40, abandonou a perspectiva tradicional, simplificou e geometrizou as formas. Mais tarde, chegou à abstração.
Seus gestos ficaram mais livres, dinâmicos e expressivos. A cor, mais vibrante.

Nos anos 50, as bandeirinhas das festas juninas, de Mogi das Cruzes, integraram-se às suas fachadas.
A partir da década de 60, todos os temas são deixados de lado e as bandeirinhas passaram a ser signos, formas geométricas compondo ritmos coloridos e iluminados.

Morreu aos 92 anos, em 1988, em São Paulo.

Volpi nunca se naturalizou, mas seu coração era brasileiro.

Feliz 2007

2006-12-30T11:31:00.000-02:00

Imagine que todos os seus sonhos se realizaram.

Que tudo que você sempre quis, conquistou.

Imaginou? Tudo de bom !

É isso que o Arte Moderna deseja a você em 2007.

Feliz 2007

para todos os nossos amigos !

Presépios

2006-12-15T17:15:00.000-02:00

Fra Angelico

O presépio é uma das mais antigas formas de representação do Natal.
A palavra presépio significa “um lugar onde se recolhe o gado; curral, estábulo”.
Mas este também é o nome dado à representação artística do nascimento do Menino Jesus num estábulo.

Há muito tempo, em Groccio, na Itália, São Francisco de Assis estava com um problema. Ele não conseguia explicar para os camponeses como havia sido a noite do nascimento de Jesus. Foi aí que ele teve uma idéia genial: pegou um pouco de argila, e com muita paciência moldou vários bonequinhos de barro.
Primeiro, fez um bebê. Em seguida, o pai e a mãe.
Depois, foi só arrumar tudo e pronto.

São Francisco havia montado, no ano de 1223, o primeiro presépio do mundo!

Nativité - Paul Gauguin

Os cristãos já celebravam a memória do nascimento de Jesus desde finais do séc. III, mas a tradição do presépio, na sua forma atual, tem as suas origens no século XVI.

As primeiras imagens do que hoje conhecemos como presépio de natal foram criadas em mosaicos no interior de igrejas e templos no século VI.

Lotto Lorenzo

Expedito do Piauí

Vamos entrar em rápidas férias de final de ano, mas desejamos muitas alegrias e um feliz 2007 para todos os amigos que nos dão tanta satisfação de vir ao Arte Moderna nos visitar. Muito obrigado !

Até breve e tudo de bom para vocês e suas famílias !

Oswaldo Goeldi

2006-12-01T19:13:00.000-02:00

Oswaldo Goeldi nasceu no Rio de Janeiro em outubro de 1895.
Morou em Belém do Pará, às margens do Amazonas, até os seis anos de idade.

No entanto os peixes habitaram-no para sempre.

Em 1901, despede-se temporariamente dos trópicos e parte a família para Berna, antiga capital da Suiça, terra de seu pai, o naturalista Emílio Goeldi.

Sob a escura atmosfera da I Grande Guerra, inicia seu percurso de vida inteira, a começar pela morte, tema recorrente em toda sua produção.

O artista segue colecionando seus segredos, para revelá-los pouco a pouco - peixes, cidades e urubus, abandono e solidão.

Em 1919 retorna à sua cidade natal, mas será sempre estrangeiro observador.

Em entrevista a Ferreira Gullar, em 1957, Goeldi fala:

“ O que me interessava eram os aspectos estranhos do Rio suburbano, com postes de luz enterrados até a metade na areia, urubu na rua, móveis na calçada, enfim, coisas que deixariam besta, qualquer europeu recém chegado. Depois descobri os pescadores, e toda madrugada ia para o mercado ver o desembarque do peixe e desenhava sem parar.”

O tema urbano, tão caro aos artistas modernos, em Goeldi, conta a história, não apenas do Rio de Janeiro, mas de qualquer cidade industrializada.

Esse grande artista fala em sua obra sobre a experiência de habitar lugares que não acolhem, sobre a solidão, a incomunicabilidade, o desajuste e o esquecimento.

A obra de Goeldi já participou de mais de uma centena de exposições póstumas - no Brasil, Argentina, França, Portugal, Suíça e Espanha.

Pancetti - Navegar é preciso

2006-11-15T18:12:00.000-02:00

“A pintura de Pancetti é como um convés de navio, curtida de sol e sal. Não enferruja.
Honesta, limpa, econômica, direta, austera, quase seca, mesmo quando a cor se expande e o gesto abriga a emoção.
Não há nele nem o supérfluo, nem o desperdício.”

Frederico Morais

Janela do atelier- Bahia - 1951

Giuseppe Gianinni Pancetti nasceu em Campinas, em 1902.
A família era muito pobre. Seu pai, Giovanni, era um imigrante italiano, que viera para o Brasil com a mulher, Corinna, para trabalhar como pedreiro.

Lagoa do Abaeté - 1952

Inconformismo, foi a marca registrada de José Pancetti.

Por força das circunstâncias e do próprio temperamento, não teve parada.
Mudou-se, constantemente de um lugar a outro, experimentou diversos empregos, sem fixar-se em qualquer deles, a não ser na Marinha Mercante Italiana, onde ingressou aos 16 anos.

Tinha um enorme orgulho de ser marinheiro, e seu amor pela marinha era retribuído.

Cabo Frio - 1947

Pancetti quase não desenhava, fazia apenas alguns esboços a carvão antes de começar seus quadros.

Mangaratiba - 1946

Nos seus muitos auto-retratos, Pancetti conta sua vida vendo-se em diferentes personalidades: marinheiro, almirante, pintor, campones, pescador.

Dramáticos ou irônicos, eles têm em comum o seu olhar de lado, desconfiado.

Mar Grande - 1954

As marinhas são a face mais conhecida da obra de Pancetti.

Sempre o mar, o mar brasileiro, azul e profundo – de um marinheiro só.

Saquarema - 1955

Nas praias, figuras isoladas, de costas para o espectador, contemplam o mar.

Contemplam a si proprias.

Tela de minha coleção particular

Morreu em 1958, aos 56 anos, de tuberculose, no Hospital da Marinha, no Rio de Janeiro, onde foi visitado pelo Presidente JK.

A vida de Pancetti, amarga e solitária, pode ter sido atormentada e sombria, mas o seu legado não poderia ser mais luminoso e radiante.

...

Os diamantes são eternos

2006-11-01T06:17:00.000-03:00

Antigamente os gregos acreditavam que os diamantes eram estilhaços de estrelas que caiam do céu.

Chegavam a dizer que eram lágrimas dos deuses.

Da palavra grega "adamas" que significa força e eternidade do amor surgiu a denominação diamante.

Foi na Índia, entre os anos 800 e 600 AC que a exploração de diamantes teve o seu início.

Antigamente os diamantes eram chamados de pedras do sol, devido ao seu incomparável brilho.

O Oriente foi o responsável, durante quase dois mil anos, pela produção dos mais conhecidos diamantes do mundo.

Esta exuberante pedra, de rara beleza, sempre foi sinônimo de poder e riqueza.

Os diamantes eram utilizados, quase que exclusivamente, por reis e suas côrtes.
Além da realeza, só a Igreja tinha acesso aos diamantes.

Os diamantes podem ser comparados com as impressões digitais devido às suas características únicas.

Não existem dois iguais.

Não foi por acaso que Marilyn Monroe afirmava que “os diamantes são os melhores amigos de uma garota.”

Ela tinha toda razão, são mesmo.

São os melhores e mais valiosos amigos, pelo menos de uma garota linda, sexy, ambiciosa e esperta como ela.

10.000 visitas !

2006-10-21T00:55:00.000-03:00

Amigos, quando começei esse blog, atingir 10.000 visitas era algo inimaginável para mim.

No entanto, com a presença de vocês, estou muito feliz comemorando esse marco.

Hoje fiz um post diferente, bem descontraído.

Selecionei obras de arte muito famosas mundialmente, mas vocês vão observar que todas tiveram interferências, portanto têm sempre alguma alteração.

Descubram, portanto, quais foram. Espero que gostem !

Agradeço o grande carinho e todo o estímulo que deixam em seus comentários, sempre muitíssimo bem-vindos !

Um grande abraço do amigo

Jonas Prochownik

Botticcelli - Nascimento de Venus

Leonardo Da Vinci - Mona Lisa

Rembrandt - A Virgem e Jesus

Vincent Van Gogh - Auto Retrato

Vincent Van Gogh - O Quarto

Edvard Munch - O Grito

Gaudí

2006-10-10T16:11:00.000-03:00

Antoni Gaudí era um arquiteto catalão, um dos símbolos da cidade de Barcelona, onde se educou e passou grande parte da vida.

Foi um arquiteto de novas concepções plásticas ligado ao modernismo catalão (a variante local da art nouveau).

O símbolo religioso de Barcelona é a igreja da Sagrada Família, um projeto que ocupou Gaudí durante toda a sua carreira.
Contratado para construir a igreja desde 1883, não viveu para a ver terminada.

Ao trabalhar nela tornou-se cada vez mais religioso, e após 1910 passou a trabalhar quase exclusivamente na construção da Igreja.

Antoni Plàcid Guillem Gaudí Cornet nasceu em 25 de junho de 1852, na província de Tarragona.
Desde pequeno Gaudí teve problemas reumáticos que o acompanharam durante toda a vida e na infância o impediam de brincar com as outras crianças.

Sua obra se caracterizou pela liberdade de forma, cor e texturas voluptuosas e na unidade orgânica.

Gaudí trabalhou quase sempre em Barcelona ou nos seus arredores.

Em 1910 (aos 58 anos), Gaudí alcançou o auge de sua fama, chamando a atenção de alguns norte-americanos que o encarregaram do projeto de um hotel em Nova York.
No mesmo ano foi realizada uma exposição no Grand Palais de Paris.

O arquiteto espanhol morreu aos 74 anos vítima de um atropelamento.

Taxistas que passavam no local se recusaram a levá-lo a um hospital porque pensavam se tratar de um mendigo.
Nos últimos anos de sua vida, Gaudí não cuidava de sua aparência e evitava o contato com os jornalistas, motivo pelo qual há poucas fotos do arquiteto.

Seu corpo está enterrado na cripta da igreja da Sagrada Família.

Os ovos de Fabergé

2006-10-01T17:21:00.000-03:00

Fabergé era a mais importante joalheria existente na Rússia ao final do século XIX e início do século XX.
Era a essa joalheria, que levava o nome do seu dono e principal artista, que os czares russos encomendavam a confecção de ovos de páscoa para serem presenteados por ocasião da festa.
Eram jóias muito sofisticadas e de enorme valor, feitas em ouro, diamantes e pedras preciosas, aludindo aos tradicionais ovos de páscoa.

A tradição dos ovos de Fabergé começou em 1885, quando Aleksander III, imperador da Rússia, procurou o mais famoso joalheiro da corte, Peter Carl Fabergé, e encomendou um ovo de páscoa para dar de presente a imperatriz Marie Feodorovna.

No ano seguinte fez a mesma coisa e assim continuou fazendo até sua morte.

São peças valiosíssimas e feitas com grande capricho, procurando superar-se a cada ano.

Cada jóia levava o ano inteiro sendo preparada, desde o desenho original, o corte, a lapidação das pedras e todos os detalhes, envolvendo diversos artistas, sempre com a supervisão e aprovação final de Fabergé.

O último dos ovos foi feito em 1917, data da revolução russa.

Não se conhece o paradeiro de todos os ovos de Fabergé e possivelmente alguns ainda poderão ser descobertos, escondidos por algum familiar da antiga corte imperial ou de revolucionários do novo regime russo.

Atualmente são jóias raríssimas, que atingem mais de US$ 5.000.000,00 quando eventualmente vão a algum leilão de arte.

LAUTREC

2006-09-18T17:50:00.000-03:00

Henri de Toulouse-Lautrec era um aristocrata, um boêmio alcoólatra e um grande artista.

Afligido por tristes deficiências físicas, ele descobriu um ambiente que o distraía e divertia e tornou-se o mais vívido cronista desse meio.

Le Moulin Rouge

Lautrec nasceu em 24 de novembro de 1864, em Albi, no sudoeste da França.
Sua família era tradicional, distinta e rica.

Diferentemente de muitos outros grandes artistas, Lautrec nunca teve sérias preocupações com dinheiro, exceto quando seu comportamento imprevisível provocava ameaças de cortar sua generosa mesada.

Além de ser pintor, ele era um grande artista popular, tendo sido um pioneiro do ousado e chamativo novo meio, o pôster.

Trabalhador prodigioso, dedicou-se simultaneamente a um estilo de vida autodestrutivo, que o matou com a idade de 36 anos.

O lado mais amargo das noites parisienses o atraiu, e ele até mudou-se para as maisons closes (bordéis) por longos períodos, retratando seus moradores de um modo desencantado e pé-no-chão que é tudo, menos pornográfico.

A maior atração de Montmartre era o Moulin Rouge, onde as dançarinas como La Goulue realizavam performances frenéticas da "quadrilee", mais tarde renomeada cancã.

Foi para o Moulin Rouge que Lautrec fez seu primeiro (e ainda o mais famoso) pôster, usando o relativamente novo processo da litografia.

Esse artista extraordinário pouco a pouco se destruiu.

Já em 1897, a sífilis e o alcoolismo afetavam seu comportamento.

Após um ataque final, ele foi levado para a casa de sua mãe, onde morreu em 9 de setembro de 1901.

Os prazeres, o brilho e os vícios da vida noturna parisiense, seus artistas célebres e as esquecidas mulheres da vida vivem para sempre na obra extraordinária de Lautrec.

A Última Ceia

2006-09-06T00:05:00.000-03:00

A Última Ceia

1495-1497 – Técnica: Mista com predominância da têmpera e óleo sobre duas camadas de preparação de gesso aplicadas sobre reboco - Dimensão: 460 x 880cm

A Última Ceia (no italiano, Il Cenacolo ou L'Ultima Cena) é uma pintura de Leonardo da Vinci para seu protetor, o Duque Lodovico Sforza.

Foi pintado numa das paredes do refeitório do convento de Santa Maria delle Grazie, em Milão, entre os anos 1495 e 1498.

Depois de 22 anos de criteriosa restauração, uma das mais importantes obras da pintura universal - a Última Ceia, de Leonardo da Vinci - foi entregue ao público.

É uma das obras de arte mais reproduzidas em diferentes versões por outros artistas, algumas das quais apresento aqui.

Jacopo Bassano-1542

Representa a cena da última ceia de Jesus com os apóstolos antes de ser preso e crucificado como descreve a Bíblia.

Pintura bizantina

Salvador Dali

Top Models

Playmobbil

É um dos maiores bens conhecido e estimado do mundo.

Ao contrário de muitas outras valiosas pinturas, nunca foi possuída particularmente, porque não pode ser removida do seu local de origem.

Ismael Nery

2006-08-23T00:02:00.000-03:00

“Pertenço a esta espécie de homens que não constroem nem destroem, mas que dão a razão de toda a construção e de toda destruição.”

Ismael Nery

Ismael Nery nasceu em Belém do Pará em 1900.
Renegando a qualificação de pintor, preferia a de filósofo.

Sempre que pôde, dedicou-se à poesia, achando-a melhor que a pintura.

Fazia desenhos em quantidade espantosa, mas jogava seus trabalhos sistematicamente no lixo, assim que terminados.

Conhecemos, dos desenhos de Nery, apenas aqueles que foram salvos da lixeira, muitos deles amarrotados.

Em 1920, viajou para a França, voltando dois anos depois, para casar-se com Adalgisa Nery, com quem teve dois filhos.

Em 1927, voltou à Europa, conhecendo o pintor judeu-russo Marc Chagall, que exerceu forte influência em sua carreira, a qual, a partir de então, voltou-se para o Surrealismo.

Em 1933, um diagnóstico revelou que ele era portador de tuberculose, o que o levou a internar-se em um sanatório.

Meses depois, 6 em abril de 1934, faleceu e foi enterrado vestindo um hábito dos franciscanos, numa homenagem dos frades à sua ardorosa fé católica.

A obra de Nery permaneceu ignorada do público e da crítica até 1965, quando teve seu nome inscrito na 8ª Bienal de São Paulo.

Em toda vida, não pintou mais que uma centena de quadros, realizou duas exposições individuais.

E nelas conseguiu vender apenas um quadro.

Largo do Boticário

2006-07-23T20:07:00.000-03:00

Apenas sete casas compõem esse belo recanto do Rio de Janeiro.
São casas coloridas, em estilo neo-colonial, no local batizado em homenagem a Joaquim Luiz da Silva Souto, o boticário da família real que morou ali, em uma fazenda.

O Largo fica na Rua Cosme Velho, 822.

Este pequeno largo, quase escondido no bairro do Cosme Velho e cercado pela mata atlântica é um dos lugares mais bonitos do Rio.

Há anos atrás, eu ia muito lá com a minha família para passear e visitar o artista plástico Augusto Rodrigues.

O Largo do Boticário tem telhados e fachadas coloniais, calçamento estilo pé-de-moleque e árvores centenárias que transmitem uma sensação de calma e tranqüilidade.

Lá sempre foi um reduto de grandes artistas.

Tela a óleo de Sandra Nunes

Recentente, dezenove famílias, apoiadas pelo Movimento Terra, Trabalho e Liberdade (MTL), invadiram o casarão de número 22, do Largo do Boticário, um dos mais bonitos desse lugar histórico e até esse momento, ainda permanecem no local.

Óleo de Sandra Nunes

A mansão invadida pelos sem teto, tem projeto arquitetônico de Lucio Costa, jardim de Burle Marx e como quintal, parte da Floresta da Tijuca.

Na parte externa da mansão, há diversas espécies raras da Mata Atlântica e uma fonte d´água do século 19.

Ainda nessa semana, um grupo de turistas europeus admiravam as belas construções, sem saber da confusão lamentável por trás do portão do casarão.

Surrealismo

2006-07-17T18:03:00.000-03:00

Salvador Dali

O Surrealismo foi um movimento criado em Paris em 1924 por um grupo de artistas, filósofos e escritores.
Esse movimento artístico se opunha aos costumes da sociedade européia, mas procurava uma nova realidade, tentando explorar o inconsciente e subconsciente.
Seus temas eram a loucura, a solidão, os sonhos, as alucinações, o amor e o humor.

René Magritte

A pintura surrealista dividiu-se em duas escolas principais; de uma delas faziam parte o espanhol Salvador Dali e o belga René Magritte.

René Magritte

Estes artistas tentaram produzir novas sensações pela colocação de imagens fantásticas e irreais em seus quadros.

Como resultado obtinham pinturas misteriosas que pareciam não ter explicação lógica.

René Magritte

A outra escola surrealista adotou um método de pintura chamado automatismo: os artistas deixavam seus pincéis se movimentarem sobre a superfície da pintura, criando imagens e símbolos que revelavam seus subconscientes.

Joan Miró

Joan Miró, espanhol, mostrou a simplicidade de sua arte, sem que o seu contudo deixasse de lado imagens fantásticas e imaginosas.

Ismael Nery

Ismael Nery, importante pintor que só foi valorizado depois de sua morte, foi o precursor do Surrealismo no Brasil.

Esse foi sem dúvida um dos nossos maiores artistas, portanto vou voltar a falar dele em um próximo post.

(Re) Aberto

2006-07-12T18:39:00.000-03:00

Estamos reabrindo esse nosso espaço, e felizmente muito antes do que eu imaginava.

Algumas vezes, as coisas são imprevisíveis e fogem de nosso controle.

Nunca se sabe o que vai acontecer daqui a cinco minutos.

Portanto, nesses últimos dias não pude elaborar novos posts, mas assim que foi possível, vim matar as saudades daqui e de vocês.

Logo estarei postando muitas novidades e visitando todos os blogs amigos, como gosto tanto de fazer.

Não posso deixar de agradecer a todos, que estiveram sempre comigo, deixando os seus comentários, o seu carinho e me dando a maior força !

Espero sinceramente que continuem por aqui me visitando, para passearmos juntos, por muito tempo, pelo mundo das artes.

Fechado

2006-07-07T00:11:00.000-03:00

Por razões particulares, esse blog está temporáriamente fechado.

Obrigado a todos por suas visitas.

Arte Popular

2006-07-02T14:47:00.000-03:00

José Antonio da Silva - "O Rapto da Noiva"

Todo artista popular é auto-didata, ou seja, não aprendeu a arte em nenhuma escola.

Heitos dos Prazeres - "A casa do Seu Benedito"

Quais são os limites que separam a arte e o artesanato ?

Será que existe uma resposta ?

Escultura de Maurino

Ex-votos - Esculturas feitas por artistas anônimos para serem colocadas em altares de igrejas como agradecimento por promessas bem-sucedidas e cumpridas.

G.T.O. - Geraldo Teles Oliveira

É comum afirmar que “o artista cria e o artesão repete”.

Assim, o artesão trabalha no terreno do concreto, da matéria, da certeza.
O artista age no espaço da abstração, do espírito, da dúvida.

Na verdade, o limite entre eles é muito tênue.

Isabel Mendes

Noivos do Vale do Jequitinhonha - MG

Escultura de Mestre Vitalino

No caso da arte popular, o artesanato é a base fundamental para a construção da arte.
Mas nem todo artesão é um artista. Tudo é uma questão de talento e de brilho próprio.
No entanto, todo artista popular é, antes de tudo, um artesão.
Essa é a minha opinião. O que você acha ?

Você tem algum objeto de arte popular na sua casa ?

Erté

2006-06-23T17:36:00.000-03:00

Romain de Tirtoff, que ficaria conhecido como Erté, nome que reproduz o som das iniciais R e T, nasceu em São Peterburgo, na Rússia, em 23 de novembro 1892 e foi para a França em 1911.
Em Paris, logo passou a trabalhar com um dos mais importantes criadores da moda de todos os tempos, Paul Poiret.

Criou cenarios para diversos espetáculos teatrais, Ilustrou também capas para a revista Harper’s Bazaar, além de criar cenários para o Folies Bergère de Paris e para o Ziegfeld Follies, de Nova York.

Durante uma visita a Hollywood, em 1925, Erté trabalhou como figurinista para diversos filmes, e também criou roupas para a atriz Josephine Baker.

Erté gostava de utilizar peles compridas, jóias e um grande número de acessórios, que compunham figurinos com detalhes inteiramente personalizados.

Em cada trabalho que executava, Erté trazia a inspiração de temas persas e indianos do século 16, com traços muito pessoais, elaborados, e a figura feminina concebida sempre de maneira sensual.

J. Carlos, o cronista do lápis

2006-06-12T17:46:00.000-03:00

José Carlos de Brito e Cunha, o J. Carlos, nascido em Botafogo, Rio de Janeiro, em 18 de junho de 1884, ocupa um lugar de destaque no humor gráfico nacional.

Cartunista e ilustrador, J. Carlos soube retratar a vida carioca como ninguém.

Retratou o Carnaval, as praias, a moda, os modismos e os costumes, num verdadeiro retrato da época.
Fez capas e personagens para a importante revista infantil O Tico Tico, como Lamparina, Juquinha e outros.

Embora não fosse estilista, J. Carlos recriava figurinos da moda em voga com tanta graça, a ponto de vê-los seguidos pelas elegantes senhoras do Rio.

O talento de J. Carlos encantava a todos com a sua obra.

O próprio Walt Disney, criador do famoso Mickey Mouse, em uma visita ao Brasil, chegou a convidá-lo para trabalhar em seus estúdios nos Estados Unidos, tal a sua admiração pelo talentoso artista.

O nome de J. Carlos figura de forma permanente e com merecido destaque no cenário da caricatura brasileira.

O cronista do lápis, que contou a história e imortalizou os tipos de sua cidade, foi assim lembrado por Genolino Amado:

“Realmente, no espírito de J. Carlos parece ter habitado o espírito do Rio. E não poderíamos imaginar tendo nascido noutra cidade. Aquele que pretendia somente graça acabou fazendo história”.

CHAPLIN

2006-06-06T19:06:00.000-03:00

Muito raramente a palavra "gênio" pode ser empregada com tanta propriedade quanto ao nos referirmos a Charles Chaplin.
Chaplin nasceu em Londres no ano de 1889.

Nasceu com o cinema, e foi justamente para o cinema que Chaplin criou o personagem Carlitos, um vagabundo oprimido e engraçado, que denunciava as injustiças sociais em um mundo repleto de desigualdades.

De forma inteligente, este grande artista sabia como fazer rir e também chorar.

Adepto ao cinema mudo, o ator e também cineasta, era contra o surgimento do cinema sonoro, mas como grande artista que era, logo se adaptou e voltou a produzir verdadeiras obras primas: O Grande Ditador, Tempos Modernos e Luzes da Ribalta.

Na década de 30 seus filmes foram proibidos na Alemanha nazista, pois foram considerados subversivos e contrários a moral e aos bons costumes.
Na verdade, representavam uma crítica ao sistema capitalista, à repressão, à ditadura e ao sistema autoritário que vigorava na Alemanha no período.

Em 1965, publicou sua autobiografia , Minha Vida.

Acumulou muito dinheiro em sua vida de fama.
Fortuna vai, fortuna vem, como muitos outros artistas, Chaplin nunca soube administrar seus bens e por três vezes esteve à beira da falência, mas sempre deu a volta por cima.

A Rainha Elizabeth II tornou-o Sir em 1975.
Sir Charles Chaplin morreu dormindo, em sua casa em Corsier-vur-Vevey, na Suíça.

Morreu feliz, numa manhã de Natal, aos 88 anos, ao lado da família e de sua última esposa, a qual conviveu por mais anos e mais amou.

Uma imagem vale mais do que mil palavras.

Se você quer dar crédito a quem merece e a quem criou essa idéia... agradeça a Chaplin.

A Arte oriental do Bonsai

2006-05-29T17:24:00.000-03:00

O que é Bonsai ?

Bonsai é a arte oriental de miniaturizar plantas.
Começou na China, por volta de 202 a.C., sendo no Japão que se tornou uma alta forma de expressão artística.

Seu nome em japonês, Bonsai, significa "cultivado em bandeja".

Sendo uma arte viva, torna-se uma obra nunca terminada, em constante transformação nas mãos do artista, fonte inesgotável de inspiração e meditação.

A relação entre o artista e o Bonsai, se traduz num eterno namoro entre homem e natureza, onde cada passo leva a uma nova descoberta.
Neste ambiente de integração e paz, a longevidade do Bonsai une gerações em busca de novas formas e amigos.

Sendo uma arte oriental, teve seu despertar no Brasil com a imigração japonesa que junto com as famílias traziam pequenas maravilhas, talvez uns poucos exemplares, mas suficientes para manter viva a arte do Bonsai.

Durante anos seu cultivo ficou restrito a essas famílias e seus descendentes.

Com a convivência das culturas que se mesclaram, o conhecimento do Bonsai se difundiu em torno das colônias japonesas.

E cada vez mais se expande, trazendo não só a beleza artística da obra, mas o seu objetivo principal, que é a integração Homem/Natureza.

Guignard - Paisagens imaginárias

2006-05-20T10:45:00.000-03:00

Festa de S. João - 1939

Certa vez, perguntaram a Alberto da Veiga Guignard como ele sabia que havia terminado um quadro.
"- Quando ele faz " Tiiim...", respondeu o pintor.
Sempre visto como um menino ingênuo, era também simples no seu modo de viver e trabalhar.

Paisagem imaginária - 1947

Nascido em Nova Friburgo (RJ) a 25 de fevereiro de 1896, aos 21 anos matriculou-se na Real Academia de Belas Artes de Munique (Alemanha) e foi influenciado pelo expressionismo.

Em 1929, retornou ao Brasil e, a convite de Juscelino Kubitschek, prefeito de Belo Horizonte na época, mudou-se para Minas Gerais em 1944 para ministrar cursos de pintura.

A partir de então, Guignard foi reconhecido por retratar as montanhas mineiras e as cidades históricas do interior.

Uma de suas marcas registradas eram os balões de São João.

Floresta Tropical - 1938

Vaso com flores - 1935

Nos anos 50, o alcoolismo fez com que passasse a depender da ajuda de alunos para comer e morar.
Muitas vezes, precisou ser carregado para a casa pelos amigos.

Chegou a trocar obras-primas por pratos de comida ou garrafas de bebida, até que, a 26 de junho de 1962, morreu de parada cardíaca, no Hospital São Lucas (MG).

Menino - 1941

Para sair do sufoco financeiro, usava uma tática infalível.

" Pinto um Santo Antônio e vendo barato. Há sempre moças solteiras dispostas a comprar ", dizia Guignard.

Sortuda a solteirona que um dia comprou um Santo Antônio de Guignard.

As Gêmeas - 1940

A Galeria PROCHOWNIK está hoje no site NO MINIMO .

Cinelandia

2006-05-13T14:30:00.000-03:00

Na década de 60, eu estava na Lanchonete Flakes, na Av.Copacabana, quando alguém me bateu nos ombros e me chamou para trabalhar no cinema.
Sim, era Adrian Samailoff, um diretor russo que estava procurando novos artistas para trabalhar em seu próximo filme brasileiro, chamado “Garota Mineira”.
Eu não tinha nenhuma experiência como ator, mas aceitei. E depois de alguns testes, surpreendentemente fui contratado.

O cinema era ainda rudimentar no Brasil.
As filmagens eram na sua maioria externas. Algumas cenas eram rodadas em uma distante e deserta Barra da Tijuca e outras no então super chique hotel Quitandinha, em Petrópolis.

Parte do meu trabalho, além de atuar, também era transportar membros da equipe e o material de filmagem, em meu Buick conversível.
A história do filme girava em torno da disputa de 3 rapazes por uma linda garota ( a mineirinha do título), que era a Vera Nunes, uma starlet da época.

Eu era um deles, além de Helio Souto e Fernando Amaral.

O filme estreou com sucesso no Cine Odeon, um dos maiores cinemas cariocas, que permanece ainda hoje na Cinelandia, centro do Rio.

Eu, que ainda não era nada low-profile, no entusiasmo da juventude, ficava dando autógrafos na noite de estréia.

Essa foi a minha experiência como ator de cinema nacional.

Apesar de ter me saído razoavelmente bem, nunca cheguei à Hollywood.

Cícero Dias – 100 anos

2006-05-06T13:52:00.000-03:00

Artista brasileiro de grande renome internacional, Cícero Dias combina as mais autênticas tradições pernambucanas com a essência universal da arte.
Cícero Dias nasceu no Engenho Jundiá, município de Escada, a 50 quilômetros de Recife (PE), em 5 de março de 1907 e, bem cedo, mudou-se para o Rio de Janeiro.
Desde a infância, escolheu o caminho da pintura.

Nos 30 primeiros anos de vida trabalhou com aquarelas de grande beleza e colorido.

De sua cidade natal, veio para o Recife e, em 1925, foi para o Rio de Janeiro, estudar arquitetura na Escola Nacional de Belas Artes.

Foi no Rio que Cícero Dias estreou profissionalmente, expondo seus trabalhos pela primeira vez.

A exposição aconteceu em 1928 e, naquela época, havia grande desconfiança em torno do tipo de pintura que ele fazia e quase nenhuma galeria carioca tinha interesse pela arte moderna.

Em 1937 Cícero Dias foi morar em Paris e recebeu forte influência do meio artístico europeu.

Rachou um telefone com Picasso e deve ter conhecido a maior parte dos artistas e intelectuais da época, quando Paris era, inegavelmente e incomparavelmente, a capital cultural do mundo.

"À la plage"- 1942 - Lisboa

A terceira fase é cheia de temas nordestinos, pintados nas freqüentes viagens a Recife e evoca lembranças de infância e de sua vida aqui em nossa cidade.

Um grande painel de Cícero Dias, no Museu Nacional, tem o título de " Eu vi o Mundo... ele começa no Recife ".

"Eu vi o Mundo... ele começa no Recife"

Cícero morreu em Paris, a 28/01/2003.

Em 5 de março de 2007, o grande artista pernambucano completaria 100 anos.

Tenreiro

2006-05-02T15:14:00.000-03:00

Joaquim Tenreiro (1906-1992) foi o "pai" do mobiliário moderno no Brasil.
Elaborar um móvel brasileiro ainda não era um hábito comum na primeira metade deste século. E a tarefa, numa dessas curiosidades da vida, coube a um português.

Radicado no país, Tenreiro se dedicou a explorar todas as possibilidades da madeira (principalmente o jacarandá) e das matérias-primas nativas (como a palhinha), para criar um mobiliário limpo e elegante.

O artista nascido em Portugal, mas radicado no Brasil, atuou como designer, pintor e escultor.

Entretanto, ficou famoso pela sua capacidade de transpor para a realidade do agitado modernismo brasileiro, os móveis de madeira.

Pode-se dizer que Joaquim Tenreiro foi o verdadeiro criador do móvel moderno.

Sua preocupação não era só com a beleza, mas também com o conforto e a funcionalidade dos móveis.

Com um desenho simples, mas de linhas harmoniosas e extremamente refinadas, Tenreiro utilizava materiais de qualidade para criar móveis leves e arejados.

Apaixonado pelas madeiras brasileiras, soube aproveitar como poucos suas belezas.

Usou jacarandá, perobinha do campo, pau marfim, amendoim, cedro, entre outras madeiras nobres.

Tenreiro foi o primeiro a romper com a influência dos móveis portugueses e franceses, impróprios para o clima tropical do Brasil.

Romance Carioca

2006-04-25T16:17:00.000-03:00

Dizem que os melhores perfumes vêm nos menores frascos.
Mas nem sempre os melhores quadros estão nas molduras mais bonitas.

Encontrei recentemente em um leilão um quadro com uma bela moldura antiga, em madeira toda entalhada à mão.

A tela era uma marinha banal, monocromática, quase inexpressiva. Mas a beleza e a qualidade da moldura imediatamente me chamaram a atenção.
Como o preço era razoável , decidi comprar a obra.
Retirei o quadro original e mandei fazer outra tela, exatamente do mesmo tamanho.
Dei a tela ao meu filho, Jôka, e pedi para que pintasse um quadro novo, com a criatividade dele, que seria encaixado naquela moldura extravagante e muito bonita.
Fotografamos o passo a passo do trabalho de criação e execução do trabalho.

O quadro está pronto, pendurado aqui na galeria, e se chama “Romance Carioca”.
É bem no estilo cinematográfico e hollywoodiano do Jôka.

Agora acredito que o quadro e a moldura finalmente se encontraram.

E se merecem.

O Mundo de Andy

2006-04-20T18:08:00.000-03:00

"No futuro, todas as pessoas serão famosas durante quinze minutos."

Andy Warhol

Andy Warhol é considerado o pai da Arte Pop.

A Arte Pop reflete um estilo de vida que cresceu depois da guerra.
Garrafas de Coca-Cola, latas de sopa, escovas de dente, objetos do cotidiano, tudo foi retratado por Andy na forma de uma pintura com cores carregadas e nem sempre realistas, apresentando esses produtos vulgares como arte.

O mundo estava pronto e receptivo para isso, bastando surgir um inovador e Andy nasceu no momento mais apropriado.

O tema central de Andy foi o retrato, principalmente de personalidades famosas do cinema e da política.
Entretanto, o artista sempre fazia o retrato através de material fotográfico bem conhecido, usado como publicidade das personalidades.
Ele preparava os seus quadros, desenhos e pinturas, através de fotografias de revistas.

Retratando figuras com Marylin Monroe, Elvis Presley, Che Guevara, Mao-Tse-Tung e outros, ele se tornou também um ícone da cultura Pop.

A arte de Andy é uma arte colorida, de interpretação ao gosto e emoções do artista.
Nada é exatamente como o real.

O mundo é recriado, as pessoas são recriadas, os animais são recriados, tudo para que o mundo de Andy possa se transformar, pelo menos para ele, em realidade.

LALIQUE

2006-04-17T18:27:00.000-03:00

René Lalique, francês, nasceu em 1860 na região de Marne.

Era um extraordinário designer de jóias e trabalhos em vidro e cristal.

Seu interesse em vidros e cristais resultou na criação de belíssimos e originais recipientes de perfumes.

O sucesso destes designs levou-o a estabelecer em 1920 sua própria fábrica de vidro, onde ele desenvolveu um estilo que inicialmente foi chamado de arte moderna e hoje é conhecido como Art Deco.

Danseuse

Os acessórios de iluminação de Lalique tiveram particular influência no moderno desenho de decoração de interior.
Nos seus objetos de iluminação, peças angulares de vidro gravado e vidro fosco eram decorados com formas de plantas e animais ou eram desenhados para sugerir fontes e jatos de água.

Bacchantes

Serpent - 1924

Vase Nimphes Roses

Tourbillons - 1925

A genialidade de Lalique se deve à sua originalidade: ele usava constantemente os motivos e imagens tradicionais de forma sempre inovadora.
Isso fez dele , entre outras coisas, o designer mais cobiçado pelas suas inusitadas e ultra modernas propostas, antes mesmo dessa arte se denominar design.

Rene Lalique faleceu em Paris, em 1945.

SANTOS

2006-04-15T22:11:00.000-03:00

Até o final do século XIX, os homens traziam seus relógios pendurados em correntes nos bolsos dos coletes.
Dizer as horas naquela época, envolvia um impressionante ritual: retirar o relógio de seu compartimento, abrir a tampa e só aí anunciar as horas.

Santos Dumont, quando estava voando, tinha dificuldades de acompanhar o tempo (ele só podia ficar no ar por minutos). Então, portátil, só havia o relógio de bolso.

Ele queria checar seu tempo de vôo em testes de velocidade mais rapidamente do que seria capaz com um relógio de bolso (chegou a improvisar um relógio de bolso amarrado ao pulso por um lenço).

Santos-Dumont foi amigo de Louis Cartier e encomendou a ele um relógio mais fácil de usar do que o de bolso.

Cartier criou em 1904 para Alberto Santos Dummont o relógio de pulso em formato quadrado - o modelo Tank, com pulseira de couro, que o relojoeiro denominou Santos e é reproduzido e vendido até hoje, com sucesso.

Entretanto, foi só em 1911 que a peça passou a ser comercializada.

Hoje, mais de 90 anos depois, o relógio Santos, da Maison Cartier ainda conserva toda a sua elegância.

Tarsila

2006-04-14T13:27:00.000-03:00

Auto-retrato

Tarsila do Amaral nasceu em 1886, na Fazenda São Bernardo, em Capivari (SP).

De família rica, teve uma infância de moradora de fazenda, crescendo entre bichos e plantas. E vivia simultaneamente um cotidiano de menina rica: tudo o que sua família usava - roupas e utensílios – vinha diretamente da Europa.

Cresceu aristocrática em meio a paisagens simples e gente humilde.

A Feira - 1924

Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920.
Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade.

Abaporu

Cartão Postal - 1928

Formou, com Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade e Oswald de Andrade, com quem se casou em 1924, o chamado Grupo dos Cinco.

Vendedor de frutas - 1925

Tarsila do Amaral é uma das mais importantes artistas brasileiras.
Quando olhamos seus quadros, percebemos uma grande simplicidade.
Mas o que hoje é tão familiar, no início do século XX era um choque.

Muito se discutiu e se criticou até que suas pinturas fossem consideradas obras de arte de grande importância.

O Pescador - 1925

Morreu a 17 de janeiro de 1973, aos 86 anos deixando pouco mais de duas centenas de quadros, alguns desenhos e esculturas.

É relativamente pouco, mas fundamental para uma busca que prossegue até hoje: a consolidação de uma pintura nacional.

Manteau rouge

Arte africana

2006-04-10T17:55:00.000-03:00

A arte africana exprime usos e costumes das tribos africanas.
É uma arte extremamente voltada ao espírito religioso, característica marcante dos povos africanos.

A escultura foi amplamente usada pelos artistas africanos utilizando o ouro, bronze, marfim e a madeira.

As máscaras sempre foram protagonistas indiscutíveis da arte africana.

Para os africanos, a máscara representava um disfarce místico com o qual poderiam absorver forças mágicas dos espíritos e assim utilizá-las na cura de doentes, em rituais fúnebres, cerimônias de iniciação, casamentos e nascimentos.

O material mais utilizado é a madeira, embora existam também peças singulares de marfim, bronze e terracota.

Antes de começar a entalhar, o artesão realiza uma série de rituais no bosque, onde normalmente desenvolve o trabalho, longe da aldeia e usando ele próprio uma máscara no rosto.

Pablo Picasso, por volta de 1905, tomou conhecimento da arte africana - e aí surgiu nitidamente a inspiração para o movimento cubista.

Um exemplo dessa influencia é o importante quadro "Les Demoiselles D'avignon".

"Les demoiselles D 'Avignon" - Pablo Picasso

Art Déco

2006-04-05T12:11:00.000-03:00

Art Déco foi um movimento que se manifestou na arquitetura, nas artes plásticas, no design gráfico, e no design industrial.
Surgiu na década de 1920 e ganhou força nos anos 30 na Europa e nas Américas.

Edifícios, esculturas, jóias, luminárias e móveis são geometrizados.
Na arquitetura art déco, as fachadas têm rigor geométrico e ritmo linear, com fortes elementos decorativos em materiais nobres.
Alguns exemplos são o Chrisler Building, o Empire State Building e o Rockefeller Center, em Nova York, e os prédios da Ocean Drive, em Miami Beach.

Diferentemente da Art Nouveau, mais rebuscada, a Arte Déco tem mais simplicidade de estilo.

CARTIER
CHANEL

Tamara Lempicka - 1929
O movimento deve seu nome à Exposição Internacional de Artes Decorativas e Industriais Modernas, realizada em Paris, em 1925.

Na mostra, nus femininos, animais e folhagens são apresentados em cores discretas, traços sintéticos, formas estilizadas ou geométricas.

Sem abrir mão do requinte, os objetos de decoração passam a ter linhas modernas.

Chiparus

Mesmo quando feitos com bases simples, como concreto armado e compensado de madeira, ganham ornamentos de bronze, mármore, prata, marfim e outros materiais nobres.

Durante a 2ª Guerra Mundial (1939-1945) o art déco sai de moda, mas, no fim da década de 60, colecionadores do mundo todo voltam a se interessar pelo estilo.

Pincéis & chips

2006-04-03T10:01:00.000-03:00

Hoje no GLOBO.

Obrigado, GRAVATÁ !

Bruno Giorgi – O fascínio das formas

2006-03-31T14:30:00.000-03:00

Bruno Giorgi nasceu em 1905, em Mococa, São Paulo.
Foi para Roma, com sua família, em 1911.
No começo da década de 20, estudou desenho e escultura.

Ele é conhecido como um dos mais importantes escultores do país.

Candangos - 1960

Dos monumentos públicos de sua autoria destacam-se Candangos, 1960, na Praça Três Poderes, e Meteoro, 1967, no lago do edifício do Ministério das Relações Exteriores, em Brasília.

As amigas - terracota - 1944

Mulher de Mococa - bronze - 1950

Vitória Alada - bronze - 1950

No início da década de 80, na minha Galeria Domus, em Ipanema, além de expor diversos trabalhos de Bruno, promovi o lançamento do livro “Bruno Giorgi”, pela Editora Record, com texto de Ferreira Gullar e fotos de Rômulo Fialdini.

Mulher - mármore - 1979

“Todo artista, quando cria sua obra, faz a história da arte e, por isso, de algum modo, se insere nela.”

Ferreira Gullar

Bruno Giorgi - (1905-1993)

Grauben

2006-03-27T17:32:00.000-03:00

Grauben do Monte Lima nasceu em 1889, mas começou a pintar somente aos 70 anos, quando passou a morar no Rio de Janeiro, após se aposentar do serviço público.

Ivan Serpa foi seu primeiro professor e incentivador, ensinando-lhe técnica de pintura em curso no Museu de Arte Moderna – MAM do Rio de Janeiro.

Ivan Serpa me apresentou a essa talentosa artista e logo fiquei muito impressionado com a beleza de sua obra.
Em sua temática da natureza fantástica os contornos não eram demarcados, mas indicados por séries de pontos coloridos.

Embora fosse uma pintora de aparente natureza ingênua (naif), havia algo muito especial naquele universo de cores cintilantes e mágicas.

Fiz 3 exposições individuais de Grauben na Galeria Relevo (1962, 1964 e 1965), todas com enorme e merecido sucesso de público, crítica e de vendas.

Essa artista brilhante faleceu em 1972.

É citada nos mais importantes dicionários de arte do País, destacando-se o “Dicionário das Artes Plásticas no Brasil”, de Roberto Pontual, e, em nível internacional, na obra “Peintres Naifs”, de Anatole Jakovsky.

Burle Marx

2006-03-20T18:56:00.000-03:00

Roberto Burle Marx foi um dos maiores e mais talentosos paisagistas do nosso século, premiado internacionalmente.

Artista de múltiplas artes, foi também, desenhista, pintor, tapeceiro, ceramista, escultor, pesquisador, cantor e criador de jóias.

Nasceu em São Paulo, a 4 de agosto de 1909.

Seu primeiro projeto paisagístico foi para a arquitetura de Lúcio Costa em 1932, passando a dedicar-se ao paisagismo, paralelamente à pintura e ao desenho.

Em 1949, com a compra de um sítio de 365.000 m2, em Barra de Guaratiba, no Rio de Janeiro, organizou uma grande coleção de plantas.

Em 1970, a reurbanização da Avenida Atlântica, na praia de Copacabana ganhou a marca dos desenhos de Burle Marx, executados em pedra portuguesa.

Roberto oferecia almoços aos sábados em seu sítio, e recebia seus convidados com muita elegância e bom-humor. Nessas ocasiões ele tocava piano e cantava árias de óperas famosas.

Tive a sorte de participar de muitos desses animados banquetes, onde a mesa era decorada pessoalmente por ele, com orquídeas e plantas das suas gigantescas estufas.

Roberto Burle Marx faleceu no dia 4 de junho de 1994, no Rio de Janeiro, aos 84 anos.

Sítio Roberto Burle Marx
Estrada Burle Marx 2019 - Barra de Guaratiba
Rio de Janeiro - RJ

Serpa

2006-03-16T17:08:00.000-03:00

Ivan Serpa nasceu no Rio de Janeiro em 1923 e, aos 23 anos, iniciou seus estudos de arte com o gravador austríaco Axl Leskoschek.

Pioneiro da abstração geométrica no Brasil, foi líder do Grupo Frente (1954-1956) e professor de pintura no Museu de Arte Moderna do Rio, responsável pela formação de toda uma geração de artistas.

Na década de 60, meu filho Jôka foi seu aluno no atelier de ensino de pintura para crianças do MAM.

Sua obra conheceu várias fases : o rigor concretista, o informalismo, a nova-figuração – na violência de sua fase negra , e o abstracionismo ligado a tendências da op-art.

Ivan Serpa não teve vida longa.
Faleceu em 1973, com 49 anos de idade.

Sua carreira, desde a estréia no Salão Nacional de Belas-Artes até a morte durou apenas 25 anos.

Ivan Serpa

Eu preparava uma mostra desse artista na minha segunda Galeria, a Domus, em Ipanema, quando o artista faleceu.

A exposição, infelizmente, nunca foi realizada.

Portinari

2006-03-13T18:37:00.000-03:00

Candido Portinari nasceu no dia 29 de dezembro de 1903, numa fazenda de café em Brodoswki, no Estado de São Paulo.

Auto-retrato

Filho de imigrantes italianos, de origem humilde, recebeu apenas a instrução primária e desde criança manifestou sua vocação artística.

João Candido, filho do artista

Conheci Portinari em 1956, levado por um amigo em comum ao seu apartamento na Av. Atlântica, no bairro carioca do Leme.
Era um artista muito organizado, com todos os pincéis e tubos de tinta impecávelmente arrumados. E embora fosse muito produtivo, não se via o menor vestígio de manchas de tinta em sua roupa ou no atelier.

Retirantes

Somente depois de algumas visitas consegui realmente me aproximar desse artista genial.
Ele tinha como secretária a ex-mulher, Maria Victória, que apesar de separada, cuidava com muita atenção de sua casa e principalmente de suas vendas.

Com muito sacrifício consegui economizar o suficiente para aos poucos comprar quatro trabalhos de Candido, naturalmente pequenos.
Um deles era um estudo da Sta. Cecília que está na fabulosa coleção Roberto Marinho.
Outro era um cavalinho branco, tema bastante recorrente na obra do artista.

Sta. Cecilia

A partir desses encontros, me senti incentivado a trabalhar com arte.

Pouco tempo depois, em 1961, abria a minha primeira Galeria, a Relevo, em Copacabana.

Candido Portinari morreu no dia 06 de fevereiro de 1962, quando preparava uma grande exposição de cerca de 200 obras a convite da Prefeitura de Milão, vítima de intoxicação pelas tintas que utilizava.

Salão Petronio

2006-03-09T17:45:00.000-03:00

Em um salão de barbeiro, muitas coisas acontecem :
Políticos decidem os rumos de um estado, jornalistas procuram notícias e... artistas talentosos podem estar passando por momentos difíceis.
Eu sempre cortei o cabelo no Salão Petrônio, na Rua Duvivier.

Era um barbeiro muito simples, sem nada demais, embora fosse frequentado por “todo mundo” em Copacabana na década de 60.

Di pintando sua mulher e musa, a também artista Noemia.

Di Cavalcanti, com quem eu tinha um bom relacionamento, estava fazendo a barba ao meu lado ( naquela época pré-lâminas descartáveis ainda se fazia a barba em barbeiros ) e disse que precisava de uma certa quantia para comprar uma passagem para voltar à Paris, onde morava durante metado do ano.

Horas depois, fui até o atelier de Di, na Rua do Catete, em cima do famoso cinema Asteca, levando o valor necessário para a viagem.
Em troca ele me disse para escolher 6 telas.
Não foi nada fácil, já que todas os quadros eram muito bonitos.

Um deles é essa linda mulata mostrada aqui abaixo.

Saindo do atelier, Di Cavalcanti me pediu um pouco sem jeito para que devolvesse as molduras. Elas seriam reaproveitadas por ele, nas suas próximas telas. Belas molduras são muito caras.

Guardei esses quadros por muitos anos, sendo que essa mulata de vermelho ficou comigo por 15 anos.

Foi a última a ser vendida.

O DOMADOR DE MISTÉRIOS

2006-03-06T21:02:00.000-03:00

Em 29 de Março de 1940 Roberto Magalhães nasceu na Praia da Ribeira, na Ilha do Governador, Rio de Janeiro.
Cresceu junto ao mar, brincando com os amigos de alcançar a nado ilhotas distantes, efetuando longos passeios de barco e bicicleta.

Roberto Magalhães é um artista que soma invenção, curiosidade, talento e pesquisas pessoais.

Tranquilo navegante de todas as técnicas, ele imprime um estilo inconfundível à sua arte.

É um inspirado descobridor de caminhos que pesquisou ao longo do tempo tendências vivas para toda uma geração.
Roberto Magalhães não é só um artista.
É um domador de mistérios.

Retrato do artista por Môka Prochownik

Gênio

2006-03-02T23:44:00.000-03:00

“ Não existe um Picasso ruim.
Embora alguns Picassos não sejam tão geniais quanto os outros.”

Pablo Picasso

Môka e Natasha

2006-02-24T18:46:00.000-03:00

Môka e Natasha ,

mãe e filha

Minha filha e minha neta

no Show dos Rolling Stones

em Copacabana

Aqui logo abaixo, a Coleção Castro Maya

Grandes Coleções - Castro Maya

2006-02-24T18:11:00.000-03:00

Raymundo Ottoni de Castro Maya (1894 - 1968), dedicou ao Rio de Janeiro grande parte de suas atividades como industrial, colecionador e defensor do patrimônio cultural.

O Museu Castro Maya, também chamado Chácara do Céu, no bairro carioca de Santa Teresa, tem uma coleção importantíssima com pinturas de Matisse, Picasso, Salvador Dalí, Monet entre outros.

E também artistas brasileiros como Portinari, Guignard, Iberê Camargo, Antonio Bandeira e Di Cavalcanti.

Matisse

Braque

Esse quadro de Di Cavalcanti, pintado em 1930 era meu.

Dr. Raymundo, fascinado pela obra, depois de alguma insistência, convenceu-me a fazer uma troca.

Ele ficou com o meu quadro e eu com seu automóvel, um Bentley de 1949.

Dr. Raymundo em seu Bentley.

Grandes Coleções - Eva Klabin

2006-02-20T18:28:00.000-03:00

Nascida em São Paulo, em 8 de fevereiro de 1903, Eva Klabin era a primeira das duas filhas dos imigrantes lituanos Fanny e Hessel Klabin.
Seu pai foi um dos fundadores das indústrias de papel e celulose Klabin.

Eva herdou do pai, o bom gosto e o hábito de colecionar arte.

Tornou-se durante a vida, uma compradora compulsiva de objetos de arte de todas as épocas e estilos, desde que fossem de seu agrado.

A Fundação Eva Klabin foi criada em 1990, em sua propria casa, na Lagoa Rodrigo de Freitas.

Madona e S. Sebastião - Botticelli

Tive a oportunidade de visitá-la algumas vezes.
Eva dormia de dia e nunca recebia suas visitas antes das onze da noite.

Seu requinte e gentileza sempre se refletiam em cada detalhe de suas recepções.

Máscara egípcia

Camelo da Dinastia Tang - China

Eva Klabin faleceu em 8 de novembro de 1991, mas sua fundação permanece como um legado à cidade do Rio de Janeiro.

Para conhecer o site da fundação, clique aqui.

Galeria RELEVO

2006-02-17T18:14:00.000-02:00

E. di Cavalcanti - 1955

No começo da década de 60 começaram a surgir algumas das primeiras Galerias de Arte cariocas : Bonino, Petite Galerie e Relevo.

Surgiram quase que ao mesmo tempo, e coincidência ou não, ficavam todas em Copacabana.

Rubens Gerchmann - 1966

Eu era um jovem empresário e fundei a Galeria Relevo com mais dois sócios.
Ficava na Av. Copacabana, com uma vitrine de forma arredondada e uma escada lateral que dava para a sala de exposições. Meu escritório ficava no subsolo com alguns quadros e esculturas de nosso acervo.

Antonio Dias - 1964

Nosso objetivo era fazer lançamentos de artistas que estavam surgindo.

Fizemos exposições entre outros tantos, de E. Di Cavalcanti, Roberto Magalhães, Rubens Gerchmann e Antonio Dias.

Roberto Magalhães - 1966

As nossas exposições traziam tanto público interessado em conhecer arte moderna que o trânsito muitas vezes ficava interrompido.
Os preços das obras vendidas nesse período eram incrivelmente baixos, se comparados aos valores que atigiram atualmente.

Sorte de quem comprou naquela época, pois esses artistas figuram hoje entre os mais consagrados da arte brasileira.

O anjo azul

2006-02-13T17:11:00.000-02:00

Na década de 40, a maior estrela do cinema mundial chamava-se Marlene Dietrich.
Pra quem não conheceu, era uma alemã lindíssima que fazia um sucesso indescritível.

Seu brilho superava em muito o de qualquer atriz da Hollywood de hoje.

Eu era menino e morava em Berlim, onde a atriz havia estourado alguns anos antes com o filme “O Anjo Azul” , de Josef von Sternberg.

Estava indo a pé para a escola, quando a vi no banco de trás de seu carro, parando naquele instante em um sinal de transito.

Mal pude acreditar que estava diante do anjo azul em pessoa.

Corri e consegui enfiar a cabeça pela janela do Mercedes preto, antes que o sinal abrisse.
Ela me olhou, surpresa, abriu a pasta que estava em seu colo, tirou uma foto e a autografou com uma caneta dourada.

Estendeu-a com um sorriso , piscou os olhos e o carro partiu.

Conservo aquela foto até hoje.

É a prova de que os anjos existem.

1981

2006-02-06T17:56:00.000-02:00

Em 1981, meu filho Jonas Eduardo decidiu ir morar na França.

Fiquei um tanto surpreso com aquela decisão, mas concordei.
Tive que admitir que seria uma chance dele aprender francês e se aperfeiçoar em um curso de pintura.

Para comprar a passagem, meu filho vendeu seu video-cassete, que ( pasmem ) era uma mercadoria bastante rara e valiosa no Brasil do começo da década de 80.

No velho continente participou de algumas exposições e salões de arte.
Quero deixar registradas aqui no blog algumas das imagens dos quadros que ele pintou por lá e que foram já vendidos.

Com certeza, esses trabalhos estão hoje nas paredes de alguns parisienses de bom gosto.

Mangue em Copacabana

2006-02-03T18:27:00.000-02:00

MANGUE

grafite e aquarela sobre papel - 37 x 29,5 cm.- 1929 -

Reproduzido no catálogo "Di Cavalcanti - 100 anos"

Estava passeando de carro pela Av.Atlântica, no começo da década de 60, quando vi que naquela noite havia um leilão, numa das últimas mansões da orla de Copacabana (no local onde anos depois foi erguido o imenso Hotel Othon Palace, perto da Help).
Entrei por curiosidade e naquele exato momento estavam leiloando o magnífico quadro de Di Cavalcanti “Mangue” - uma pequena obra-prima retratando com emocionante humanidade algumas mulheres da famosa e extinta zona de prostituição no bairro carioca do Mangue.

Por uma sorte inacreditável não havia nenhum outro interessado na obra, e assim consegui arrrematá-la pelo lance mínimo, que era o valor da avaliação do leiloeiro.
Esse quadro ficou em minha coleção particular durante vinte e tantos anos.
Normalmente, eu não venderia aquela obra, mas tive uma oferta irrecusável do Sr. M.

Então, fui visitar meu filho que morava em Paris com uma parte do valor da venda do "Mangue".

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A Galeria Relevo e Rubem Valentim

2006-01-31T17:30:00.000-02:00

Rubem Valentim em 1962 fez uma exposição individual na Galeria Relevo, que era a minha Galeria na Av. Copacabana 252.
Nesse ano, o artista recebeu o prêmio da Associação de Críticos de Arte do Brasil.

Foi condecorado com a medalha de ouro do Salão Paulista de Arte Moderna, além do Prêmio de Viagem ao Exterior no XI Salão Nacional de Arte Moderna no Rio.

Participou da XXXI Bienal de Veneza.

Nesse ano, o artista se apresentou com sucesso em duas coletivas, uma na Galeria Relevo, outra na Casa do Brasil em Roma.

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30 anos depois...

2006-01-31T15:56:00.000-02:00

Comprei esse quadro - um óleo sôbre tela de 1 metro por 1 metro - em 1965, no atelier do próprio artista Ivan Serpa.
Um dia, um casal de bons amigos viu a obra na minha casa e tanto insistiram que acabei vendendo à eles.
Trinta anos depois, o casal se separou e o quadro ficou com a mulher, que deu de presente ao filho.
Tanto tempo se passou e comprei a obra de volta.
Era pra ser minha, mesmo.

Alguém disse que ..."O bom filho à casa torna." ?!

Então.

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GALERIA

2006-01-31T09:46:00.000-02:00

Aqui nós temos duas palavras que abrem muitas portas:

Puxe e Empurre

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